Por Malcom Rios Farias
“A Tragédia da Loba-Guará” pode, à primeira vista, soar como mera emulação de algum stop-motion norte-americano. Mas basta alguns minutos para que se revele como uma obra profundamente enraizada no Brasil.
Dirigido por Kimberly Palermo e exibido na 8ª edição do Metrô – Festival de Cinema Universitário, o curta-metragem de animação de bonecos acompanha a jornada errante de uma jovem loba-guará que, após ter sua casa incendiada por humanos, vaga em busca de pertencimento. Na estrada, conhece tanto o afeto da adoção quanto a violência de explorações turísticas e cinematográficas sufocantes.
Após ser acolhida por uma simpática ariranha, a protagonista começa a trabalhar em uma feira singela. É a partir daí que a invasão estadunidense começa. Cineastas e turistas norte-americanos tomam o espaço encontrado pela loba, causando nela uma crise de identidade ao ter, mais uma vez, seu lar ameaçado, agora pela exploração estrangeira. A floresta onde mora se torna um set de filmagem internacional, e a feira onde trabalha começa a vender produtos norte-americanos.
Fica claro que a diretora e roteirista arranca das páginas de uma fábula as complexidades das relações culturais entre humanos brasileiros e estrangeiros. Pressionada até o limite, loba-guará implode: tenta arrancar de si a própria pele, gesto brutal que condensa a tragédia de uma identidade dilacerada.
Aqui é importante lembrar do chamado “complexo de vira-lata”, expressão cunhada pelo jornalista Nelson Rodrigues para designar a sensação de inferioridade do brasileiro diante do estrangeiro. Mais do que um simples preconceito cultural, trata-se de uma ferida histórica, que atravessa da economia à arte: a crença de que tudo que vem de fora é melhor, mais sofisticado, mais legítimo. No campo do cinema, isso frequentemente se traduz na preferência por modelos internacionais de produção, como se o fazer nacional precisasse sempre justificar sua existência em relação ao que já foi consagrado lá fora. Kimberly, em “A Tragédia da Loba-Guará”, não ignora essa tensão, mas sim a expõe, a ironiza e, em certo ponto, a subverte.
Na ânsia de escapar do tematizado estrangeirismo, o curta semeia referências brasileiras por toda parte. Tamanduás-bandeira, araras-azuis e micos-leões-dourados atravessam a tela, enquanto cantigas como Sapo não lava o pé e Se essa rua fosse minha explodem em contraste perturbador entre inocência lúdica e brutalidade social. O carnaval, uma das maiores festas nacionais, também aparece, enaltecendo outro elemento cultural, nesse caso como o ponto mais divertido do filme. Mas o momento mais simbólico da tentativa de superação da “viralatisse brasileira” surge quando a loba-guará se vê em um espelho transformada em raposa: sua identidade roubada, substituída por um simulacro estrangeiro.
Ao assistirmos ao curta, é inevitável a comparação com “O Fantástico Senhor Raposo” (2009), de Wes Anderson, prolífico diretor estadunidense. Ambas as obras compartilham animais antropomórficos, bonecos felpudos, a técnica minuciosa do stop-motion e até a sombra temática do desflorestamento. Contudo, limitar a obra de Kimberly a uma homenagem a um cinema dos Estados Unidos seria reduzi-la justamente a partir dos eixos de debate que instaura. Afinal, “A Tragédia da Loba-Guará” não apenas dialoga com a matriz estrangeira, mas também a desconstrói, buscando uma voz própria.
Se Anderson filma seus animais como se fossem atores de um live-action, encarando a câmera, dinâmicos e aventureiros, Kimberly opta pelo oposto: planos estáticos, horizontais, quase teatrais. É evidente que seu orçamento e tempo foram menores. E aqui as limitações orçamentárias — tipicamente brasileiras e confirmadas pela própria diretora — e técnica se tornam linguagem.
Porém, por se tratar de uma animação “bem feita”, essa limitação não é tão evidente. Não há o granulado de uma câmera amadora usada à noite, por exemplo, tão comum em filmes universitários. Ainda assim, o palco é reduzido e os movimentos dos bonecos lembram marionetes em uma peça infantil. E é justamente nesse enquadramento rígido que a “falta” encontra ressonância, transformando limitação em força expressiva.
No clímax da narrativa, a floresta já não arde apenas em fogo, mas derrete em tinta — um gesto pictórico radical, simultaneamente belo e dramático. A diretora ousa romper a unidade estética para pintar no olhar do espectador a sensação de um mundo em colapso, fazendo o curta ganhar força justamente pelo contraste e pela transição entre a doçura caricatural da protagonista e a brutalidade de um mundo em ruínas, apesar de colorido e literalmente animado.
É nessa oscilação que a obra encontra sua singularidade. É assim que a loba-guará deixa de ser apenas personagem e se torna metáfora: a imagem lúdica e tragicômica de um país em busca de si mesmo.
